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El mate, una palabra para dos 04 de noviembre de 2011 por Víctor Ego Ducrot

A principios de noviembre de 1538 arribó a América, y con amplios poderes para nombrar gobernador del Río dela Plata, un extraño personaje llamado Alonso Cabrera, poseído por peligrosas manías destructoras. Su peculiar estado mental lo llevó a no tolerar desobediencias y le ordenó a Domingo de Irala prenderle fuego a lo que quedaba del caserío levantado por don Pedro de Mendoza.

Dispusieron entonces levantar entre los restos de la quemazón algunos palos o mástiles con mates o calabazas donde encerrar mensajes y claves para los españoles curiosos que pudiesen, en un futuro darse, un vuelta por el lugar. Por consiguiente, y en forma un tanto siniestra, la ciudad de Buenos Aires quedó asociada a los primeros capítulos de la historia del mate y de la yerba. Más o menos así lo cuenta Federico Oberti.

Se le dice mate al recipiente y a las hojas que el contiene para la infusión. El primero es una calabaza y su nombre proviene del quechua matí, palabra que a los conquistadores les resultó más fácil para pronunciar que la guaraní caiguá. “El matí es pequeño y retorcido como un cuerno, fofo porque es hueco y sólo contiene una que otra simiente, no ofreciendo más que su cáscara carnosa y refrigerante; como el pimiento español y otras legumbres, ya para algún arrimado, como el de las coles, ya para rellenarlos o embutirlos de carne picada u otro comestible, en cuyo caso el plato así preparado se llama albóndigas”. ¡Qué mezcolanza no!

Nuestro tradicional mate recipiente no es otra cosa que una caiguá vacía y debidamente tratada, aunque dicho sea de paso, y para aprovechar la oportunidad de la palabra albóndigas, digamos que Argentina las adoptó como parte de su culinaria popular a principios del siglo XX – se comían desde antes, claro-, de carne de vaca molida y especias, con un batido de huevos y pan rallado, en salsa, fritas o al horno. En la actualidad puede decirse que esa elaboración proveniente de la culinaria del Mediterráneo oriental está en desuso; la gastronomía profesional a la moda de principios de este XXI casi ni las considera; en los hogares no tienen la presencia de antaño, pero si sobreviven en los bodegones y en los restaurantes populares: ¡Hoy, albóndigas con puré!

Pero sigamos con nuestra gran infusión patria. Respecto de la yerba yuyo – la ilex paraguarienses -, comencemos por recordar que su clasificación oficial data 1822 y fue registrada por el botánico francés Augusto de Saint Hilaire. Difícilmente se encuentre respecto de la yerba y el mate un trabajo más amplio y comprensivo que del ya mencionado Federico Oberti. Sigámoslo a él y comprobaremos que, de alguna manera, nuestra infusión regional no sólo está íntimamente vinculada a la fundación de Buenos Aires, sino que forma parte de las construcciones míticas sobre los orígenes mismos del Hombre, y de los caprichos de dioses, brujos y sacerdotes.

“La humanidad empezó con la historia de un árbol y con la pérdida del Edén a causa de ese mismo árbol (…). Y es por todos conocido que cuando las célebres pitonisas griegas cumplían sus ritos, lo hacían masticando hojas de laurel. La yerba fue para los guaraníes (…) un árbol con propiedades divinas, con dioses benefactores y maléficos (…). Entre la coca de los quichuas y la yerba de los guaraníes, la afinidad es de lo más antigua, ya que trata de la transformación de una hermosa mujer en una planta de coca o de yerba respectivamente”.

Los primeros documentos sobre la incorporación del llamado “te de los jesuitas” a la dieta argentina datan, como ya adelantamos, de los tiempos de Pedro de Mendoza. El “Diario de Viaje” del Capitán Juan Francisco Aguirre ”refiere los primeros años de la recién fundada Buenos Aires (…). Más importante aún se ofrece el caso, por cuanto la yerba ha salido de la jurisdicción geográfica de la Provinciadel Paraguay, para establecer su costumbrismo en las desérticas tierras de Buenos Aires, de la que hacían uso, en comunidad con los guaraníes, una importante parcialidad indígena, sus vecinos de esta margen del Paraná, los querandíes”.

Tuvo tanto peso la yerba en las costumbres culinarias, y por consiguiente en la economía dela Argentinade aquellos tiempos –recordemos de paso que cientos de miles de hombres y mujeres guaraníes fueron explotados en su producción, por jesuitas y laicos-, que el Consejo de Indias la aceptó como moneda, “llevando cuenta de que la fanega de trigo con poca paja se vende a cuatro pesos en yerba, que son doce arrobas; la botija de vino de Mendoza cuesta setenta pesos y la botija de aceite, por dieciséis pesos, todo en yerba”.

Por supuesto que ese comercio estaba reservado para los curas y para sus propios peculios, por más que algunos aleguen que a ello sólo se dedicaban para sufragar los gastos de sus misiones sagradas. José Klein, por ejemplo, evangelizador de los indios abipones en tierras que hoy ocupa la ciudad de Resistencia, mercadeó yerba a granel en tropas de carretas que cada año fletaba a Buenos Aires, también con tabaco de Corrientes y maderas del Paraguay. Por supuesto, a los traficantes de “baja condición”, negros y mulatos, se los condenaba a seis años de galera si eran sorprendidos haciéndole la competencia a los “piadosos” hacendados yerbateros con sotanas.

Desde sus orígenes materos, la ciudad levantada a orillas del Riachuelo aspiró a cierto grado de distinción, y así fue como su incipiente burguesía comercial contrabandista dio los primeros pasos hacia la celebración de lo que luego fuera conocido como el mate porteño, concepto más referido al recipiente que a un eventual estilo propio para elaborar o beber la infusión.

El pronto arribo y establecimiento en Buenos Aires de artistas extranjeros contribuyó a aumentar la artesanía de los mates porteños, hechos íntegramente de plata, y “habiendo sido nuestra ciudad la rectora de la ciudadanía argentina, no es extraño encontrar en distintas provincias del norte mates de señalada procedencia bonaerense, llevados por expedicionarios militares, como presentes familiares y por adquisición de exiliados políticos”.

El mismo Oberti señala: “el mate totalmente hecho de plata, pudo haberse convertido en una inoperante artesanía o principal motivo de una floreciente industria suntuaria, si hubiese satisfecho cumplidamente las severas exigencias de todos aquellos que bebemos y saboreamos la infusión con el mismo deleite y gusto que ofrece, amplia y generosamente, la simple calabacilla. Para los materos el mate debe cebarse en la cucurbitácea conocida con ese nombre vulgar, es decir, en el fruto seco de la plana llamada también mate; nada de aparatos de madera hechos a torno, ni mates de plata, de metal blanco, de loza, de porcelana o de cristal y, muchos menos de tazas de tomar caldo y ni aún jarritos de lata o enlozados y hasta de tacitas y pocillos…”

Tomar mate es un hábito argentino que atraviesa a las clases sociales. Está presente en los countries y áreas selectas, pero también en los barrios más pobres de la ciudad y sus arrabales, donde, no caben dudas, cobra su mayor legitimidad tangible y simbólica.

La representación del mate, formulada desde la dimensión tanguera, y como hábito de los porteños que conforman la inmensa masa de gentes que la yugan todo el día, tuvo tanto volumen que aún hoy sigue repiqueteando, incluso, con otros formatos poéticos y musicales. Y, en sentido, una de las composiciones más representativas es Yira yira, de Enrique Santos Discépolo, de 1930: “Cuando la suerte qu’ es grela, / fayando y fayando /te largue parao;/ cuando estés bien en la vía, / sin rumbo, desesperao; / cuando no tengas ni fe, / ni yerba de ayer / secándose al sol; / cuando rajés los tamangos / buscando ese mango / que te haga morfar (…)”.

Viejos acuerdos semánticos de Buenos Aires explican lo siguiente: “si el mate se sirve amargo es signo de indiferencia, en cambio si es dulce es signo de amistad. ¡Cuidado con servir el mate frío!, porque es desprecio, pero el mate muy caliente es amor ardiente y si es lavado significa vayan a tomar mate a otra parte. El amor en el mate tiene sus códigos: si es espumoso significa te quiero; si se le agrega café es un perdón por la ofensa recibida; con canela es como decir pienso en vos, y si le agregamos cáscara de naranja significa te espero. Pero nunca acepte el primer mate porque es de zonzos”. Así escribieron en Club de Tango.

Gracias a cierta suerte de préstamo lingüístico, el vocablo mate se incrustó en el habla cotidiana de los habitantes de nuestro país. Significa también cabeza, palabra que a su vez tiene otros sinónimos que perfectamente podemos considerar como pertenecientes al universo significante del comer, como melón, sandía y coco.

Y los dejo a todos tranquilos, aunque sea por unos días, para que se hagan el coco con la idea de unos amargos reconfortantes; pero ojo, estén atentos, porque no hay peor cosa que calentar el agua, preparar la yerba, y que otros se tomen el mate. Chau.

EL MATE

El mate no es una bebida. Bueno, sí. Es un líquido y entra por la boca. Pero no es una bebida. En este país nadie toma mate porque tenga sed. Es más bien una costumbre, como rascarse.

El mate es exactamente lo contrario que la televisión: te hace conversar si estás con alguien, y te hace pensar cuando estás solo.

Cuando llega alguien a tu casa la primera frase es “hola” y la segunda “¿unos mates?“.

Esto pasa en todas las casas. En la de los ricos y en la de los pobres.

Pasa entre mujeres charlatanas y chismosas, y pasa entre hombres serios o inmaduros.

Pasa entre los viejos de un geriátrico y entre los adolescentes mientras estudian o se drogan.

Es lo único que comparten los padres y los hijos sin discutir ni echarse en cara.

Peronistas y radicales ceban mate sin preguntar. En verano y en invierno.

Es lo único en lo que nos parecemos las víctimas y los verdugos; los buenos y los malos.

Cuando tenés un hijo, le empezás a dar mate cuando te pide. Se lo das tibiecito, con mucha azúcar, y se sienten grandes. Sentís un orgullo enorme cuando un esquenuncito de tu sangre empieza a chupar mate. Se te sale el corazón del cuerpo. Después ellos, con los años, elegirán si tomarlo amargo, dulce, muy caliente, tereré, con cáscara de naranja, con yuyos, con un chorrito de limón.

Cuando conocés a alguien por primera vez, te tomás unos mates. La gente pregunta, cuando no hay confianza: “¿Dulce o amargo?“. El otro responde: “Como tomes vos“.

Los teclados de Argentina tienen las letras llenas de yerba. (CA#1)

La yerba es lo único que hay siempre, en todas las casas. Siempre. Con inflación, con hambre, con militares, con democracia, con cualquiera de nuestras pestes y maldiciones eternas. Y si un día no hay yerba, un vecino tiene y te da. La yerba no se le niega a nadie.

Éste es el único país del mundo en donde la decisión de dejar de ser un chico y empezar a ser un hombre ocurre un día en particular. Nada de pantalones largos, circuncisión, universidad o vivir lejos de los padres.

Acá empezamos a ser grandes el día que tenemos la necesidad de tomar por primera vez unos mates, solos. No es casualidad. No es porque sí. El día que un chico pone la pava al fuego y toma su primer mate sin que haya nadie en casa, en ese minuto, es que ha descubierto que tiene alma. O está muerto de miedo, o está muerto de amor, o algo: pero no es un día cualquiera.

Ninguno de nosotros nos acordamos del día en que tomamos por primera vez un mate solo. Pero debe haber sido un día importante para cada uno. Por adentro hay revoluciones.

El sencillo mate es nada más y nada menos que una demostración de valores…

•Es la solidaridad de bancar esos mates lavados porque la charla es buena. La charla, no el mate.
•Es el respeto por los tiempos para hablar y escuchar, vos hablás mientras el otro toma y es la sinceridad para decir: “¡Basta, cambiá la yerba!“.
•Es el compañerismo hecho momento.
•Es la sensibilidad al agua hirviendo.
•Es el cariño para preguntar, estúpidamente, “¿está caliente, no?“.
•Es la modestia de quien ceba el mejor mate.
•Es la generosidad de dar hasta el final.
•Es la hospitalidad de la invitación.
•Es la justicia de uno por uno.
•Es la obligación de decir “gracias”, al menos una vez al día.
•Es la actitud ética, franca y leal de encontrarse sin mayores pretensiones que compartir.

¿Que opinas?

Sirena o ballena?

Hace algun tiempo a la entrada de un gimnasio se podia ver un cartel con la foto de una chica de fisico espectacular con escrito: "este verano, quieres ser sirena o ballena?"

Se cuenta que una mujer, de la que no conocemos su aspecto fisico, respondiò a esta pregunta de la siguiente manera:
Estimados señores, las ballenas estan siempre rodeadas de amigos (delfines, focas, humanos curiosos), tienen una vida sexual muy activa y crian a sus pequeños con mucho cariño.
Se divierten como locas con los delfines y comen gambas hasta empacharse. Nadan todo el dia y viajan hasta lugares fantasticos como la Patagonia, el mar de Barens o las barreras coralinas de Polinesia.
Cantan estupendamente y algunas veces hasta graban cds. Son animales impresionantes y muy queridos, a los que se defiende y admira en todo el mundo.

Las sirenas no existen.

Pero si existieran harian cola en la consulta del psicologo debido a un problema de desdoblamiento de la personalidad, mujer o pescado?
No tendrian vida sexual y no podrian tener hijos.
Serian graciosas, es cierto, pero solitarias y tristes.
Y ademas, quien querria a su lado una chica que huele a pescado?
Sin lugar a dudas, yo prefiero ser una ballena.

En una epoca en la que los medios de comunicacion nos meten en la cabeza que solo las delgadas con bellas, yo prefiero comerme un helado con mis hijos, cenar con mi marido, comer y beber y divertirme con mis amigas.
Nosotras las mujeres ganamos peso porque acumulamos tanta sabiduria y conocimiento que no nos caben en la cabeza y se distribuyen por todo nuestro cuerpo.

No somos gordas, somos enormemente cultas.
Cada vez que veo mis formas en el espejo me digo: "qué inteligente soy!"

Fotos del muro

Benedeti

INTIMIDAD

Soñamos juntos
juntos despertamos
el tiempo hace o deshace
mientras tanto
no le importan tu sueño
ni mi sueño
somos torpes
o demasiado cautos
pensamos que no cae
esa gaviota
creemos que es eterno
este conjuro
que la batalla es nuestra
o de ninguno
juntos vivimos
sucumbimos juntos
pero esa destrucción
es una broma
un detalle una ráfaga
un vestigio
un abrirse y cerrarse
el paraíso
ya nuestra intimidad
es tan inmensa
que la muerte la esconde
en su vacío
quiero que me relates
el duelo que te callas
por mi parte te ofrezco
mi última confianza
estás sola
estoy solo
pero a veces
puede la soledad
ser
una llama.

Leonard Cohen recibe hoy el Premio Príncipe de Asturias de las Letras

El escritor y cantante canadiense anunció en Oviedo, donde le entregan el galardón, que acaba de terminar su nuevo disco: 'Old ideas'. Estará compuesto por diez canciones nuevas que ya ha tocado para algunas personas, y que "parece que gustan".

Bohemio, fumador empedernido, mujeriego, sufridor profesional. La poesía cantada, esas novelas de seis minutos y la prosa mecida por inconfundibles melodías folk le han valido a Leonard Cohen el Asturias de las Letras, que mañana lo recibe en Oviedo, España, de manos del Príncipe Felipe.

A principio de año, cuando fue anunciada la concesión, todos los medios de comunicación coincidieron con el jurado del prestigiado galardón de entregárselo al cantautor canadiense de 77 años por sus canciones de marcado carácter literario, pero también por su obra no cantada: Flores para Hitler, Los hermosos vencidos, Comparemos mitologías, o la novela El juego favorito.

Por una obra literaria que ha influido en tres generaciones de todo el mundo, a través de la creación de un imaginario sentimental en el que la poesía y la música se funden en un valor inalterable, el poeta, músico y artista ganó el Premio, anunció entonces el Jurado de la distinción española, y añadió: “El paso del tiempo, las relaciones amorosas, la tradición mística de Oriente y Occidente y la vida contada como una balada interminable configuran una obra identificada con unos momentos de cambio decisivo a finales del siglo XX y principios del XXI”.

En fin, que el Jurado consideró a Cohen uno de los autores más influyentes de nuestro tiempo, cuyos poemas y canciones “han explorado con profundidad y belleza las grandes cuestiones del ser humano”. Sin embargo, el poeta y cantante afirmó ayer en Oviedo que cuando escribe siempre es un absoluto principiante, tras confesar que Federico García Lorca fue el primer poeta que le invitó a vivir en su mundo y declarar que nunca se ve a sí mismo como alguien que impacta en el mundo que le rodea: “Cuando escribes siempre eres un absoluto principiante, por tanto cada vez que tomas la guitarra o te sientas en una página en blanco, empiezas desde cero, es una lucha contra el silencio, contra tus propias debilidades. No tienes ningún tipo de sensación de control sobre ello y si es así, no entras en el entorno de comprender o plantearte si estás influido por alguien, o al revés, de si influyes en alguien”, explicó el autor de I Am Your Man, quien señaló también que en su proceso creativo nacen juntas la música y la poesía: “A veces hay una especie de cadena que sugiere una frase en un acorde, o unas palabras sugerirían el movimiento que se produce en la guitarra de tal forma que salen juntas, pero no es un proceso ordenado. Estás buscando, hurgando en el fondo del barril, está uno luchando con la propia incompetencia, con la propia sensación de valía personal, es un proceso muy desordenado”, reveló. Sobre la influencia de España y de la música y la poesía española, aseguró que cuando leyó a García Lorca la primera vez, a los 15 años, vio que era un paisaje tremendamente familiar: “Era un paisaje muy cercano al silencio, que salía de la lucha contra el silencio, y yo también estaba en esa época luchando contra el silencio. Fue el primer poeta que me invitó a vivir en su mundo, cuando quería pasar por el arco de Elvira para ver sus muslos, empezar a llorar, me satisfacía el apetito que yo tenía y que ninguna otra poesía que yo encontrara parecía resolver”. Manifestó que tenía una gran necesidad de significado en la adolescencia y especialmente se veía resuelto por los poemas de Lorca, y para resaltar su admiración por el poeta español, nombró Lorca a su hija.

Leonard Norman Cohen nació en el seno de una familia de emigrantes judíos en Montreal, donde en 1955 se licenció en Literatura en la Universidad McGill. En esa época se produjeron sus primeros contactos con la música y formó parte de The Buckskin Boys, un grupo de aficionados a la música country. Se trasladó a Nueva York con una beca que le permitió ingresar en la Columbia Graduate School y recibió una subvención del Canada Council para escribir un libro, lo que le permitió publicar su primera obra poética: Let us compare mythologies, una recopilación de poemas escritos entre 1949 y 1954 inspirada precisamente en García Lorca, en la que Cohen refleja una temática que será recurrente en su obra, como la persecución de los judíos, las relaciones de pareja y la religión. Autor de 13 libros, en la década de los 60 se instaló temporalmente en la isla de Hydra, en Grecia, y comenzó a componer canciones sin abandonar la literatura. Durante esos años publicó sus siguientes libros. En 2006 se publicó una colección de poemas y prosas en el libro Book of longing, el cual incluye una serie de dibujos y ha sido el primer libro de poesía en alcanzar el número 1 en las listas de ventas en Canadá. Su más reciente obra literaria publicada este año es el Poemas y canciones. Como músico, Cohen publicó su primer LP, titulado Songs of Leonard Cohen en 1967, en el que incluyó algunos de sus temas más conocidos como Suzanne y Sisters of Mercy.

A este trabajo le siguieron Songs From a Room, con gran acogida por parte del público, y Songs of Love and Hate, que le confirmó como uno de los autores más destacados del momento. A lo largo de las décadas de los 70 y 80 realizó giras por todo el mundo y publicó álbumes como Live Songs, New Skin for the Old Ceremony, Death of Ladies Man, Recent Songs y Various Positions, cuyo tema Hallelujah ha sido versionado por más de 150 artistas. Posteriormente publicó I’m Your Man y The Future, en los que consiguió plasmar a la perfección el espíritu de su tiempo. Desde entonces, ha grabado Ten New Songs, Dear Heather y Blue Alert.

En 2008, para celebrar medio siglo de artista, Cohen ofreció 84 conciertos por todo el mundo, a los que asistieron más de 700 mil personas, en una gira que significó su regreso a los escenarios tras los cinco años que pasó en el monasterio budista de Mount Baldy, en Los Ángeles. Posteriormente editó Songs From the Road, un álbum grabado en vivo con sus canciones más emblemáticas.

En una entrevista que le hizo Diego Manrique para El País en 2006, Cohen le respondió con algunos poemas a sus preguntas: Hace cincuenta años publicó el poemario Comparemos mitologías. ¿Cómo se siente ahora respecto a aquellos poemas? ¿Se reconoce todavía en ellos? Cohen: Hice lo que pude, no fue mucho, / no podía sentir, así que aprendí a tocar. / Dije la verdad, / no vine para engañarte. / Y aunque todo fuera mal, / estaré ante el Señor de la Canción, / y en mis labios no habrá / más que Aleluya. Otra pregunta: Díganos en qué consiste ser Leonard Cohen, cantante de música popular. La respuesta: Miles / entre los miles / que son conocidos, / o que quieren ser conocidos como poetas, / quizá uno o dos / sean auténticos / y el resto son impostores, / rondando por los recintos sagrados / tratando de parecer genuinos. / No hace falta decir / que yo soy uno de los impostores, / y ésta es mi historia. ¿Ha tenido momentos en los que no ha vivido según sus propias reglas musicales o morales? La misericordia me devuelve / Una mujer que deseo / Un honor que codicio / Un lugar donde quiero que viva mi mente / Entonces la Misericordia me devuelve a la tríada / Y la crisis de la canción. ¿Escucha usted música contemporánea? A veces enciendo la radio / Y la escucho con gran placer / Sin reconocer a nadie.

Hasta aquí algunas de las preguntas de Manrique, quien conoce a fondo al barítono y lo ha llamado “el poeta susurrante” y de quien hace tres años, en ocasión del concierto-homenaje-espectáculo en español Acordes con Leonard Cohen, escribió: “Ahora nos parece inconcebible pero hubo un tiempo en que Cohen era considerado un anticantante. En el Reino Unido y en Estados Unidos, se tomaba a broma su voz grave, igual que la desgarrada temática: ‘hacía música para cortarse las venas’. Un chiste que evidencia lo chirriante que resultaba el artista de Montreal en el universo del pop anglosajón.

Durante los ochenta, Cohen no vendía lo suficiente y llegó a quedarse brevemente sin contrato discográfico en América del Norte. Por el contrario, en la Europa continental, previamente sensibilizada por la chanson francesa, se entendía su gravedad y se aceptaba la seriedad de su repertorio. Hoy, nadie discute la excepcionalidad de Cohen: se admite como estilo personal su supuesta monotonía vocal; se aprecia la profundidad de su cancionero. Y a ese reconocimiento ha contribuido el proselitismo de artistas que consagraron discos monográficos a Cohen, el vasallaje de diversos homenajes a varias voces”. Y por eso mismo lo premia España, país en el que en 2010 ofreció su último concierto, donde con traje, sombrero y su voz de barítono, entre la salmodia de las viejas visiones folk y la emocionante precisión poética de temas tan vivenciales como Famous blue raincoat, el viejo sacerdote de la música popular (él se pone por detrás de Dylan) se arrodilló ante el público barcelonés.

“Sin duda –escribió entonces Rosa Montero– asesinar es otra manera de enfrentarse a la pena, sólo que es un método especialmente inútil, especialmente bárbaro. Prefiero los modos del viejo Leonard Cohen, que ha acompañado mi vida con sus baladas tristonas. Y, personalmente, prefiero usar las palabras, como él”. O como el mismo galardonado con el Príncipe de Asturias de las Letras lo declaró alguna vez: “Siempre tuve la idea de que tenía un pequeño jardín para cultivar. Nunca pensé que era en realidad uno de los grandes, así que mi trabajo, el trabajo que estaba frente a mí, era sólo cultivar esta pequeña esquina del campo de la cual pensaba que sabía algo, que tenía que ver con la indagación de uno. Sin autoindulgencia. Nunca sentí que la confesión pura fuera realmente interesante, pero la confesión filtrada a través de una tradición de habilidad y trabajo duro. Esa era mi pequeña esquina y comencé a escribir acerca de estas cosas que yo pensaba que conocía o que quería conocer, así es como empecé”.

El escritor Fernando Vallejo ganó el premio FIL de Literatura

LITERARIA // GALARDÓN

El escritor Fernando Vallejo ganó el premio FIL de Literatura

El escritor de origen colombiano Fernando Vallejo, radicado en México, ganó ayer el Premio FIL de Literatura en lenguas romances, dotado de 150.000 dólares y que se entregará el 26 de noviembre en el marco de la Feria Internacional del Libro de la ciudad mexicana de Guadalajara.

Martes 30 de agosto de 2011 | 09:30

Fernando Vallejo.

Al dar a conocer el fallo, el jurado de este galardón que otorga la Asociación Civil del Premio de Literatura Latinoamericana y del Caribe "Juan Rulfo" dijo que se trata de "una de las voces más personales y exuberantes de la literatura latinoamericana", informó la agencia DPA.

El jurado estuvo formado por siete miembros: la chilena Cecilia García Huidobro, el mexicano Jorge Volpi, el peruano Julio Ortega, el canadiense Calin Mihaeilescu, la colombiana Margarita Valencia, el español Juan Cruz y el británico Michael Wood.

Nacido en Medellín en 1942 y naturalizado mexicano en 2007, donde vive desde 1971, Vallejo es autor de las novelas "Los días azules", "El fuego secreto", "Los caminos a Roma", "Años de indulgencia", "Entre fantasmas", "La virgen de los sicarios", "El desbarrancadero" (con la que obtuvo el Premio Rómulo Gallegos), "La rambla paralela", "Mi hermano el alcalde" y "El don de la vida".

Además, ha publicado tres libros de ensayos en los que con humor y erudición arremete, respectivamente, contra Charles Darwin, los “impostores” de la ciencia y la Iglesia católica: "La tautología darwinista", "Manualito de imposturología física" y "La puta de Babilonia".

Vallejo también ha incursionado en la cinematografía como director y guionista. Dirigió las películas "Crónica roja", que en 1979 recibió el Premio Ariel de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas a la Mejor Opera Prima.

También escribió el guión para la adaptación cinematográfica de su novela "La virgen de los sicarios", que se estrenó en 2000, dirigida por el director francés Barbet Schroeder.

En la edición pasada el Premio FIL, uno de los más reconocidos en el mundo de las letras en español, fue para la mexicana Margó Glantz.

También lo obtuvieron Nicanor Parra (1991), Juan José Arreola (1992), Eliseo Diego (1993), Julio Ramón Ribeyro (1994), Nélida Piñón (1995), Augusto Monterroso (1996), Juan Marsé (1997), Olga Orozco (1998), Sergio Pitol (1999), Juan Gelman (2000), Juan García Ponce (2001), Cintio Vitier (2002), Rubem Fonseca (2003), Juan Goytisolo (2004), Tomás Segovia (2005), Carlos Monsiváis (2006), Fernando del Paso (2007) , António Lobo Antunes (2008) y Rafael Cadenas (2009.

Este premio busca reconocer la trayectoria de un escritor vivo, cuyo medio de expresión literaria sea el español, el catalán, el gallego, el francés, el italiano, el rumano o el portugués

Federico García Lorca: La Casa de Bernarda Alba

La casa de Bernarda Alba

Para la película española, véase La casa de Bernarda Alba (película).

La Casa de Bernarda Alba

Autor Federico García Lorca

Género Teatro

Subgénero Drama

Tema(s) Tradición de la España Profunda

Publicado en 1945

Editorial Espasa

País España

Fecha de publicación 1936

Formato Libro

Páginas 252

La casa de Bernarda Alba es una obra teatral en tres actos del escritor Federico García Lorca, escrita posiblemente en 1936.1

La obra cuenta la historia de Bernarda Alba que, tras haber enviudado por segunda vez a los 60 años, decide vivir los próximos ocho años en el más riguroso luto. En la obra destacan rasgos de la 'España profunda' de principios del siglo XX que vivía en una sociedad tradicional muy violenta en el que el papel que la mujer jugaba es secundario, mezclado con un fanatismo religioso y el miedo a descubrir la intimidad. Con ella viven cinco hijas: Angustias, Magdalena, Amelia, Martirio y Adela.

Sin personajes masculinos en escena. El apellido de las mujeres de la obra es simbólico y significa castidad.

Análisis

La casa de Bernarda Alba es considerada por algunos críticos como una tragedia, y por otros como un drama, siguiendo la opinión del propio autor. Muchos han opinado que es la culminación de un largo proceso evolutivo del dramaturgo, desde el modernismo al vanguardismo y de ahí a su fase de plenitud. Hay que resaltar en primer lugar su concepción del teatro. Rechaza el teatro burgués de Jacinto Benavente, pues su único fin es lucrativo. Tampoco le agradaba, especialmente al final, el verso. Esto no quiere decir que rechace la poesía en el teatro, más bien la personaliza. En cambio muestra su simpatía por el teatro popular o marginal: el guiñol, el vodevil, etcétera.

Posiblemente, las frases que mejor aclaran su idea sobre el teatro son éstas, formuladas en 1936 cuando leía a sus conocidos La Casa de Bernarda Alba:

El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana. Y al hacerse, habla y grita, llora y se desespera. El teatro necesita que los personajes que aparezcan en escena lleven un traje de poesía y al mismo tiempo que se les vean los huesos, la sangre.

Muestran estas palabras la dimensión humana del teatro en la que debe el lector sentir como los personajes a lo que ayuda el tratamiento realista de la obra.

Planteamiento

Tras la muerte de su segundo marido, Antonio María Benavides, Bernarda Alba decide recluirse y guardar rigurosísimo luto, tanto ella como sus cinco hijas. El luto es roto por la llegada de Pepe el Romano, que pretende a la mayor, Angustias. Si bien es una costumbre real, Lorca lo retrata insinuando que además de ser "un drama de las mujeres en los pueblos de España", tiene también la intención de documental fotográfico. La obra comienza con la entrada de las sirvientas hablando del despotismo de Bernarda y con la llegada inmediata de esta, confirmando su riguroso trato a ellas y sus hijas, e imponiendo silencio. Cuando la hija mayor hereda una fortuna grande que atrae a un pretendiente (Pepe el Romano), celos y pasiones se desatan en la casa, desembocando en un final trágico con la muerte de la más joven, Adela, quien no quiere someterse a la voluntad de su madre. Bernarda finaliza la obra diciendo que su hija ha muerto virgen, así mostrando su preocupación social, la cual es más importante que la muerte de su hija.

Personajes

Hay que recalcar la mezcla característica de Lorca de los personajes. Por un lado son estereotipos, ya que representan una figura. Pero también tienen detrás su historia, sus sentimientos. Es necesario resaltar que solamente aparecen mujeres, pues es un drama sobre ellas.

Bernarda (60 años): Una carga negativa se centra en ella. Es tirana, hipócrita, déspota y blanco de casi todas las críticas de la obra. Su lenguaje es indicativo de su carácter, así como el uso reiterado de fórmulas prescriptivas. El hecho de que se apoye sobre un bastón es símbólico y representa un báculo de poder. Con su forma de ser, representa también el orden español estricto y represivo. Su motivación es contar con una reputación perfecta. Basa su honor en un modo de pensar tradicional y rancio. Bernarda es paradójica pues es la más masculina de todas a la vez que constituye una barrera entre sus hijas y los hombres.

Angustias (39 años): Es la hija mayor, nacida del matrimonio de Bernarda con su primer esposo. Se piensa casar con Pepe el Romano gracias a su dinero. Aunque es consciente de ello, le es indiferente, ya que su único deseo es salir de la casa y del poder de su madre. Tras casi 40 años no quedan en ella pasiones ni alegrías.

Magdalena (30 años): Es la segunda hija de Bernarda y la que más quería a su difunto padre, llegando incluso a desmayarse durante el primer responso de la misa funeral. Está convencida de que nunca se casará, y habría deseado haber nacido varón. Tanto ella como Amelia han aceptado el poder de su madre con resignación. Representa la aceptación, el respeto a la autoridad de los mayores y la admiración a la determinación de su hermana menor Adela, capaz de enfrentarse con el orden asfixiante de la casa de Bernarda Alba.

Amelia (27 años): La tercera hija de Bernarda posee el carácter más tímido y asustadizo de todos. Apenas habla a lo largo de la obra. Ella sigue teniendo una fe inocente en que el matrimonio debe ocurrir por amor y no por otra razón.

Martirio (24 años): Es quizá el personaje más complejo de todos. Su madre frustró su boda con el joven Enrique Humanas por ser éste hijo de un gañán. Siente resentimiento y grandes celos de su hermana menor, ya que ve impotente como ésta atrae a Pepe el Romano. Ha sido quebrada por la autoridad de su madre y es la hija que más sufre por la sobreprotección y falta de libertad. También es la más fea de todas las hermanas y su motivación es el miedo.

Adela (20 años): La hija más joven de todas. No está dispuesta a someterse a la tiranía materna y todo en ella es vitalidad. Desafía la moral establecida, llegando incluso a romper el bastón de su madre, aunque le es imposible vencerla y esto la lleva a un destino trágico.

La Poncia (60 años): Es la criada principal de la casa. Sería casi de la familia, pues Bernarda y ella se criaron juntas desde la niñez, de no ser por el clasismo imperante. Es la principal confidente de Bernarda pese al odio que siente por ella. Destaca su habla popular y colorida. Es la antítesis de Bernarda y su conciencia en la obra. Su nombre evoca a Poncio Pilato, quien pudiendo intervenir decide lavarse las manos en la crucifixión de Jesucristo en la Biblia. Poncia cree que una mujer sin un hombre no es algo natural.

María Josefa (80 años): La madre de Bernarda es una anciana aparentemente loca cuyas palabras dicen verdades reales y poéticas. Expresa lo que ninguna de las hijas se atreve a decir: el deseo de libertad, de amor, de maternidad, etcétera. Da una mala imagen de Bernarda, por lo que ésta la mantiene siempre encerrada en el desván. Sus referencias al mar (casarse en la playa, llevar perlas, etc.) son parte de la imaginería poética de García-Lorca y están relacionadas con el origen de la vida.

Mujeres 1º,2º y 3º: Son mujeres de pueblo, cotillas y a la vez criticonas y fingen una amistad con Bernarda.

Pepe el Romano (25 años): En la obra no aparece físicamente en ningún momento, aunque es omnipresente. Es el catalizador de todas las pasiones e iras en la casa.

Prudencia (50 Años): Amiga de Bernarda

Criada (50 Años): Es la segunda criada de la casa.

[editar]Temas secundarios

Las apariencias: En toda la obra Bernarda expresa su deseo de que toda la problemática quede en el interior de la casa sin traspasar las paredes de ésta, es así que el autor utiliza la metáfora del color de las paredes de la casa que es nombrado en la introducción a cada acto, mostrándose blanquísimo en el primero, blanco en el segundo acto conforme se entra a la casa y finalmente blanco ligeramente azulado en el patio interior de ésta.

El odio: Las hermanas sin quererlo ni buscarlo se ven encerradas en una casa durante ocho años, en un luto exagerado. Todas ven como la única que se salva de este cruel destino es Angustias, ya que es la hija del primer marido de Bernarda, y encima se lleva al mejor galán del pueblo, con lo que el odio entre las hermanas se incrementa a medida que avanza la obra.

La envidia: Angustias es el mejor partido de la casa de Bernarda, con lo que Pepe el Romano decide ir a por ella. Adela considera que la mejor cualificada tanto físicamente como por edad es ella, pero aún así Pepe el Romano se queda con la más rica. Tanto Martirio como Adela envidian lo que le está ocurriendo a su hermana, y Martirio ve cómo, a su vez, Adela está por las noches con Pepe, así que, poco a poco, se crea un gran conflicto entre ellas.

El dinero: En esta obra se habla mucho de las clases sociales y por lo tanto del dinero y los bienes de cada uno. El dinero en la casa de Bernarda se centra en Angustias, aunque podemos considerar que la familia Alba pertenece a la clase media. En la obra hay muchas discusiones por el dinero porque Angustias se lleva al galán más guapo del pueblo solo por su dinero.

El poder implícito de la jerarquía intrínseca y extrínseca: Dentro de la misma casa de Bernarda, es claramente evidente que existe una jerarquía entre las habitantes del hogar. Obviamente, por encima de todas queda Bernarda Alba, quien no solo pertenece a la clase alta, sino que también es dueña de la casa. Después de ella, están las cinco hermanas y dentro de este mismo grupo existe otra escalera jerárquica. Angustias, la hermana mayor, es la heredera de las fortunas del primer esposo de Bernarda, y por lo tanto es la más rica y poderosa de las hermanas, seguidas por María Josefa, madre de Bernarda. Finalmente, se encuentran las empleadas de la casa, quienes pertenecen a la clase social más baja y sirven a todas las habitantes de dicho lugar. Esta cadena de poderes es extrínseca ya que la posición que se ocupa es otorgada como resultado de la cantidad de bienes y la abundancia de capital que el personaje tenga. La otra cadena de poderes es aquella en la que la posición del personaje es independiente de las posesiones de este. Esto se refleja cuando Bernarda está ausente en el escenario, ya que los personajes presentes se comportan como iguales sin importar su rango social. En estas ocasiones, las posiciones en esta jerarquía se definen por el poder que cada personaje tiene sobre otros. Por ejemplo, La Poncia se muestra superior a las hermanas en el Acto Segundo cuando demuestra tener ojos por toda la ciudad al advertir a Adela diciendo: "No me desafíes, Adela, no me desafíes. Porque yo puedo dar voces, encender luces y hacer que toquen las campanas." Como esto demuestra, La Poncia no tiene poder económico, pero esto no le quita la posibilidad de influir a la sociedad.

Tono y ambiente

Debe resaltarse la progresión dramática del conflicto principal. A medida que progresa la narración, nos adentramos más en la casa y, simbólicamente, en las almas de las personas. Cada incidente está perfectamente trabado con el anterior y el siguiente logrando así un magnífico encadenamiento de la acción, reforzado sin duda por el hecho de que no haya escenas, siendo la maestría de Lorca a la hora de estructurar el drama es notorio en cuanto a la fluidez, la naturalidad de los personajes a la hora de entrar y salir en el verso únicamente para escenas de máximo dramatismo.

La riqueza costumbrista, nos ponemos en contacto con el pueblo y somos testigos de todo lo que ahí ocurre.

Documental fotográfico: se apreciará constantemente el juego entre el blanco y el negro, que subraya el carácter espectacular de la obra, el luto y la pureza del honor, y que contrasta con los cuadros colgados en las paredes que si pueden incluír formas bucólicas, y quizá color.

Temas costumbristas relacionados con la vida real de las mujeres andaluzas.

Tensión y encierro: falta de hombres, sexo y amor, falta de espacio (los decorados sencillos no cambian y eso resulta en un sentido de reclusión y una cárcel sin escape

Sin embargo, el realismo está cargado por una importante dimensión simbólica y un desmesurado argumento, por lo que se define como realismo poético.

Ambiente psicológico: dolor, falta de amor, rabia, odio, envidia.

Simbología

Lorca estaba fuertemente influido por el simbolismo, común en la Generación del 27. He aquí unos cuantos símbolos:

La Naturaleza (agua, perlas, estrellas y animales): sed como referencia al deseo sexual (véase el sofoco: por eso Bernarda quiere cerrar ventanas y Adela/Martirio tienen sed. El caballo cuando da coces tiene sed). El pueblo no tiene ríos (igual a vida) pero sí pozos (oscuros símbolos de muerte). Se contrastan las referencias al agua estancada/envenenada de los pozos con el agua limpia e infinita de mar (con el que se asocia María Josefa). Las perlas del anillo de Angustias; su casamiento es un modo de escapar. La fascinación de Adela con las estrellas representa su deseo de escapar y brillar. El caballo representa la opresión de la energía sexual.

La luna: viene dado por el hecho de que Adela adora la luna y las estrellas símbolo de erotismo,lo cual nos habla de su pasión con Pepe el Romano y su deseo por poseerlo, ya que habla de lo bonita que es la noche con la luna y sus estrellas, lo cual nos descubre su deseo de libertad.

Blanco-negro (viene reforzando la idea del documental fotográfico: blanco para lo positivo en general (la vida, la libertad, la sexualidad) mientras que lo negro se refiere a la muerte (Adela muere de noche) y al fanatismo religioso (luto).

El color verde: significa la rebeldía en Lorca. Lo demuestra mediante el vestido verde que luce Adela y el abanico que usa, ella es la única de las hijas que se rebela contra la voluntad de su madre. El verde es también representación de la muerte para Lorca, así lo podemos apreciar en el mismo personaje de Adela (vestida de verde) que acabará su vida trágicamente.

El calor reinante contribuye a intensificar la tensión dramática y a moldear el carácter triste de los habitantes de las tierras secas frente a la de los habitantes de las tierras húmedas. Además, se asocia también con el hado y la fatalidad de los personajes.

El caballo garañón representa otro papel simbólico claro. Es la correlación de Pepe el Romano en el mundo animal, y por lo tanto, un símbolo sexual muy acusado. Hasta tal punto es así que la respuesta de Bernarda, Prudencia cuenta, en el manuscrito con una variante tachada muy significativa: “Al amanecer se le echará cinco”(yeguas). Cinco, como las hijas de Bernarda. Con el caballo garañón se introduce otro espacio dramático de función decisiva.

El bastón como símbolo del poder tiránico de Bernarda. Cuando Adela lo rompe acaba la tiranía, muestra la rebeldía de Adela. El bastón como símbolo fálico. El bastón como símbolo de la ceguera de Bernarda ante las pasiones de sus hijas.

Los nombres de los personajes. Bernarda (fuerza de oso), Martirio y Angustias son evidentes, Adela (nobleza, aunque también puede proceder del verbo "adelantarse"), Amelia (sin miel) y María Josefa (María madre de Jesús, José padre de Jesús; simboliza la edad del personaje). Ayudan al lector a deducir algunas características de los personajes en cuanto a su etopeya (personalidad, etc)

Y, finalmente, el color blanco de las paredes de la casa se va apagando a medida que transcurre la trama, pasando de blanquísimas (Acto 1) a "ligeramente azuladas" (Acto 3), lo que simboliza la pérdida de la pureza (tema que obsesiona a Bernarda) a lo largo de la obra.

Diálogo y lenguaje

La maestría del diálogo es indudable. Cada cual habla según su carácter y las réplicas son cortas y vivaces, con lo que adquiere toda la obra un carácter muy real. Esto lo refuerza con la técnica tan característica de Lorca llamada "poetización del lenguaje cotidiano", que dota a los personajes de una sensibilidad más elevada, al elevar poéticamente hablas populares del lenguaje cotidiano como refranes populares.

Los nombres

Bernarda: nombre de origen teutón: "con fuerza o empuje de oso". Alba: blanca, símbolo de castidad.

Angustias: etimológicamente, del latín "angostura", "dificultad". Significa opresión, aflicción, congoja; estrechez de lugar o del tiempo. A esto, añadirle el significado directo: es un personaje acongojado por el paso del tiempo. Se hace vieja y no ha encontrado marido y, por tanto, busca una manera de salir de la casa.

Magdalena: desconsolada, lacrimosa.

Amelia: amable.

Martirio: muerte o tormentos padecidos por causa de la religión.

Adela: de carácter noble.

La Poncia: nombre relacionado con Poncio Pilatos.

Prudencia: una de las cuatro virtudes cardinales, que consiste en discernir y distinguir lo que es bueno o malo para seguir o huir de ello.

Representaciones destacadas

Teatro (Estreno, 8 de marzo de 1945 en el Teatro Avenida de Buenos Aires). Intérpretes: Margarita Xirgú (Bernarda Alba), Antonia Herrero, Teresa Serrador, Carmen Caballero, Teresa Pradas, Pilar Muñoz, Isabel Pradas, María Gámez, Luz Barrialo, Emilia Milán, Susana Canales.

Teatro Teatro Goya, Madrid, 1964. Dirección: Juan Antonio Bardem. Intérpretes: Cándida Losada (Bernarda Alba), Julieta Serrano, Alicia Hermida, María Frances, María Bassó.

Teatro Teatro Zorrilla, Valladolid (1976). Intérpretes: Ismael Merlo (Bernarda Alba), María José Goyanes, Carmen Carbonell, Encarna Paso, Julieta Serrano, Mercedes Sampietro, Asunción Sancho.

Teatro (1984 el Teatro Español de Madrid). Intérpretes: Berta Riaza (Bernarda Alba), Mari Carmen Prendes, Aurora Redondo, Ana Belén, Pilar Bayona, Enriqueta Carballeira, Mar Díez, Paca Ojea.

Teatro Teatro Rafael Solana, Mexico (2002). Interpretes: Ofelia Guilmain (Bernarda Alba), Laura Zapata, Olivia Bucio, Azela Robinson, Angelica Vale, Maria Rubio, Aurora Molina.

Cine (1982, La Casa de Bernarda Alba, Mexico). Interpretes: Amparo Rivelles (Bernarda Alba), Magda Guzmán, Rosenda Monteros, Marta Zamora, Alicia Montoya, Isabela Corona.

Cine (1987, La casa de Bernarda Alba). Intérpretes: Irene Gutiérrez Caba (Bernarda Alba), Florinda Chico, Ana Belén, Vicky Peña, Enriqueta Carballeira, Mercedes Lezcano.

Television (1974, La casa de Bernarda Alba, Mexico). Interpretes: Ofelia Guilmain (Bernarda Alba), Ofelia Medina, Diana Bracho, Rosenda Monteros, Lucia Guilmáin, Ada Carrasco.

Televisión (1991, The House of Bernarda Alba, Estados Unidos). Intérpretes: Glenda Jackson (Bernarda Alba), Joan Plowright.

Teatro (2009, en el Teatro Español de Madrid). Intérpretes: Nuria Espert (Bernarda Alba), Rosa María Sardà, Rosa Vila, Marta Marco, Nora Navas, Rebeca Valls, Almudena Navas.

Televisón, en 1999, Televisión Nacional de Chile (TVN) realizó una teleserie basada en esta obra, la cuál se llamó Aquelarre.

Federico García Lorca: Yerma

Yerma (1934) es una obra teatral popular que desarrolla una tragedia de ambiente rural. Está dividida en tres actos de dos cuadros cada uno. Es una de las tres obras de teatro que forman parte de la "trilogía lorquiana", junto con La casa de Bernarda Alba (1936) y Bodas de sangre (1933).

Escrita por Federico García Lorca (1898-1936), "narra la historia de una campesina de nombre Yerma, frustrada por no poder engendrar hijos con su marido, Juan. La obra explora el conflicto interno de una mujer casada que anhela y busca infructuosamente ser madre, para sentirse una mujer completa. La tragedia de la protagonista es anunciada por su nombre y materializada por la posible esterilidad de su pareja. Juan, su esposo, no puede ni quiere engendrar hijos. El hecho de que Yerma mate a su marido, por impotencia, hace oficial su realidad y su tragedia. Sus convicciones morales no le permitían tener hijos con otro hombre que no fuera Juan, mientras éste viviera. Irónicamente, la acción de Yerma es una respuesta radical y tradicionalista al mismo tiempo." El tema principal es instinto frente a represión, ya que Yerma lucha porque su instinto le dice que debe ser madre, pero no lo logra, y por eso termina odiándose. Por un lado, a través de un gesto radical, se libera de la esterilidad de Juan aunque no de su tragedia personal. Por otra parte, la determinación de Yerma de matar a Juan obedece en parte a su deseo de cumplir con una función impuesta por la sociedad; quiere tener hijos como las mujeres casadas que viven a su alrededor.

Consciente del éxito del drama rural de teatro, Lorca elabora estas tragedias basándose en una conjugación de mito, poesía y sustancia real, tratando de retratar a una mujer a su vez oprimida y liberadora de sí misma.

Simbología

Lorca utiliza una amplia serie de símbolos como recursos para marcar los sentimientos o las situaciones de los distintos personajes a lo largo de la obra (tanto en Yerma como en otras muchas). Algunos de estos son: la imagen y mención al agua de lluvia o la fuente, que representan la fecundidad; del agua corriente y la leche, que es la esperanza que tiene la mujer de quedar embarazada; las flores (sobre todo la rosa), que son la alegría ante la maternidad; en cambio, la roca, la sequedad, la arena y las sombras simbolizan la esterilidad de así como el muro, que representa el impedimento.

[editar]Representaciones destacadas

Teatro (Estreno en Teatro Español de Madrid el 29 de diciembre de 1934). Intérpretes: Margarita Xirgú, Enrique Diosdado, Ricardo Merino, Pilar Muñoz, Carmen Collado, Pedro López Lagar y Eloísa Vigo.

Teatro (1960). Dirección: Luis Escobar. Intérpretes: Aurora Bautista.

Teatro (1971). Intérpretes: Nuria Espert, Daniel Dicenta, José Luis Pellicena, Amparo Valle, Paloma Lorena.

Cine (1998). Intérpretes: Aitana Sánchez-Gijón, Juan Diego, Irene Papas, María Galiana.

[editar]Personajes principales

Yerma es una joven casada con Juan, un hombre que su padre quiso para que sea su esposo. Ella ansiaba tener hijos como las demás casadas y eso la estresaba mucho, hasta que terminó matando a Juan.

Juan, esposo de Yerma, no quería tener hijos; se preocupaba por Yerma y su trabajo, por nada más; no le importaba que Yerma quiera hijos, él no quería.

Víctor es amigo de Juan y Yerma.

[editar]Filmografía

En la película Muerte en Granada (Marcos Zurinaga, 1996), que se basa en la obra La represión nacionalista de Granada en 1936 y la muerte de Federico García Lorca (Ian Gibson, 1971) se introduce el estreno de la obra en Madrid como base de toda la trama de la historia.

¿Dónde está mi amigo Hasen?

Etiquetas: literatura, poesia, iraq, ahmed mater

Mañana avistarás lo bueno.

Un día ¡el fiable! presidente visitó
algunos súbditos el suelo patrio
y, cuando llegó a nuestro barrio,
nos dijo:

Hacedme llegar públicamente vuestras quejas
con espontánea sinceridad...
No temed a nadie...
pues, el tiempo de oscuridad quedó atrás.

Y, entonces, cuando mi amigo Hasen replicó:
¡Señor mío!
¿Dónde están el pan y la leche?
¿Dónde está la vivienda protegida que nos cobije?
¿Dónde está el trabajo que nos sustente?
Y, ¿quien fiará al pobre su medicina?

¡Señor mío!
No hemos alcanzado a ver nada de eso.

El presidente, con el alma angustiada por la tristeza, dijo:
¡Que Dios queme mi cuerpo!
y, ¿todo eso... acontece en mi país?
¡Hijo mío! gracias por sincerarte al advertirme,
mañana avistarás lo bueno.

Transcurrido un año nos visitó de nuevo,
y otra vez dijo:
Hacedme llegar públicamente vuestras quejas
con espontánea sinceridad...
No temed a nadie...
pues, el tiempo de oscuridad quedó atrás.
Nadie se lamentó.

Y yo me alcé, y dije:
¿Dónde están el pan y la leche?
¿Dónde está la vivienda protegida que nos cobije?
¿Dónde está el trabajo que nos sustente?
Y, ¿quien fiará al pobre su medicina?

¡Ah! señor mío, perdone,
¿y dónde está mi amigo Hasen?

A 9 de julio de 2011

Autor: Ahmed Mater

Traducido por Jasim Alubudi

Ahmad Mater es un gran poeta iraquí, conocido por su poesía sarcástica que expresa el sufrimiento humano. Nació en 1954 en la provincia de Basora, al sur de Iraq. Dicho estilo literario satírico le obligó a emigrar a Kuwait perseguido por el régimen de Saddam, en 1979. Después de trabajar unos años en el periódico Kuwaití al-Qabas, fue deportado a Londres en 1986, por su poesía irónica contra los tiranos árabes.

Jasim Alubudi Abid nació el 08/10/1949 en Iraq. Tras diplomarse en Magisterio (1969) en Bagdad, obtuvo en 11/03/1970 una plaza de profesor. Al inicio del 1971 era encarcelado y torturado, prohibiéndosele salir del país hasta finales de 1980. A pesar del sufrimientopor las persecuciones que le obligaron a presentar su dimisión, consiguió la Licenciatura en Letras en 1977 de la Universidad de Bagdad.

El 22/10/1982 obtuvo una Beca de Intercambio Cultural entre Iraq y España. Se licenció en Filología Semítica (UCM) en 1987 y el Doctorado en 1990. El 19/04/1987, el régimen de Saddam le retiró su condición de becario y le cesaron de su trabajo de profesor.

Entre sus actividades figura profesor e investigador en la UCM, la Universidad Autónoma de Madrid, el Instituto Saudí de Madrid.

En su faceta de escritor, investigador y traductor tiene centenares de artículos y obras en español, árabe o ambos. Entre ellos figuran: Los caminos de al-Andalus en el siglo XII, (ed., estudio, traducción y anotaciones); Repertorio Bibliográfico del Islam; Introducción al Islam; Sufismo y Ascetismo; Amor y patria; Árabe culto: Gramática, ejemplos y ejercicios; Sevilla, Los 'abbadíes y la Giralda; Disquisiciones y propuestas ante el nuevo Parlamento Iraquí (2010-2014).

Para los lectores que deseen el poema en los dos idiomas, pueden escribirme al e-mail:jasimalubudi1@orange.es

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La agresión permanente

26 NOVIEMBRE 2009 18 COMENTARIOS

Contenido

Los autores / 3

Introducción

La agresión permanente / 7

Capítulo I

Agencias y tácticas de agresión /17
Mientras la economía USA está en crisis, crecen los gastos de espionaje /19
La USAID, órgano de subversión internacional /21
Sigue el dinero: La ofensiva imperial en América Latina se evidencia en dólares /24
El Departamento de Estado patrocina una cumbre sobre el uso de las nuevas tecnologías para cambiar regímenes /32
La SIP, cartel continental de la desinformación /36
Es urgente contrarrestar a la USAID /41
Estados Unidos promueve la desestabilización regional /45
El golpe suave. Cómo utilizan a los estudiantes y jóvenes para derrocar gobiernos que no favorecen los intereses imperiales /51
Washington promueve escenario de conflicto en Suramérica /58
La ofensiva de Obama en América Latina /62

Capítulo II

Bolivia en la mira /65
Bolivia frente al imperio /67
El complot contra Evo: empresarios, neonazis y CIA /71
Nuevos documentos desclasificados revelan más de $97 millonesb de la USAID para los proyectos separatistas en Bolivia /74

Capítulo III

La subversión contra Cuba /81
Cuba: un blanco privilegiado /83
Cuando la USAID revela sus planes para la subversión en Cuba /88
Difamando a Cuba, Ménard se hizo millonario 92
Cuando la camorra se exhibe en Miami /94
¿Y cuándo se limpiará el nido de terroristas de Miami? /97
El terrorista Valladares se aloja en el Empire State Building /102
Terroristas cubanos y venezolanos, reunidos en Miami /104
Obama: Ningún “cambio” en la política hacia Cuba /107
Washington contra Cuba: Estados Unidos no acepta perder /110

Capítulo IV

Honduras de golpe /117
Washington y el golpe de Estado en Honduras: aquí están las pruebas /119
La base militar de Estados Unidos en Honduras en el centro del golpe /133
Los mismos protagonistas, las mismas tácticas en América Latina /136
El papel del Instituto Republicano Internacional (IRI) en el golpe de Honduras /140
Otto Reich es el mejor, según la CNN /147
El embajador USA en Honduras: un cubanoamericano socio de Otto Reich /149
Organización neofascista UnoAmérica “reconoce” a los golpistas hondureños /153
Socio CIA de Posada Carriles, cómplice del golpe neonazi /154

Capítulo V

La guerra irregular contra Venezuela /157
Guerra irregular /159
Más de lo mismo de Washington contra Venezuela /162
La injerencia ganó las elecciones en Venezuela /165
El reencuentro de la derecha latinoamericana en Caracas /169
Operaciones psicológicas contra Venezuela /185
Los consulados ilegales de Estados Unidos en Venezuela /190

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Descargue el libro en formato PDF (750 Kb) USAID, NED y CIA. La Agreción Permanente
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Descargue “Bajo las alas del Cóndor”, un regalo de la Feria del Libro de La Habana (+ PDF)

18 FEBRERO 2011 26 COMENTARIOS

Un libro de Jose Luis Mendez Mendez, publicado por al Editorial Capitan San Luis.

Un libro de José Luis Méndez Méndez, publicado por al Editorial Capitán San Luis.

Con prólogo de la escritora argentina Stella Calloni, Bajo las alas del Cóndor, del investigador José Luis Méndez Méndez, recrea una arista no abordada con anterioridad sobre la concertación terrorista de las dictaduras suramericanas en la denominada Operación Cóndor.

La historia de los cubanos involucrados se revela a través de esta acuciosa investigación que Cubadebateregala hoy a sus lectores, por cortesía de su autor y de la Editorial Capitán San Luis, presente en la Feria Internacional del Libro de La Habana.

Contenido

Introducción, por Stella Calloni / 3

La guerra por los caminos del mundo / 7
Los primeros acercamientos / 15
La Operación Cóndor / 22
El Cóndor vuela a Europa / 28
Volar la embajada de Cuba en París / 28
Michael Townley: ¿Agente de la CIA, de la DINA, o de ambas?/30
Maten al demócrata cristiano / 35
Eliminar a Carlos Altamirano / 43
Desaparece Orlando Bosch / 45
Bienvenidos a Santiago / 48
Operación en San José / 55
Deportar a Rolando Otero / 60
Nos vemos en Bonao / 64
La Operación CORU / 68
Las operaciones Cóndor y CORU se unen / 76
Maten al Embajador de Cuba / 76
Secuestro, tortura, desaparición y muerte, un estilo de la CORU / 87
Terror en la avenida de las embajadas / 95
Sospechosos: terroristas de la CORU / 103
El proyecto Andrea / 108
Perú se incorpora a Cóndor / 115
El Cóndor sigue volando / 117
Los documentos del FBI / 119

Epílogo / 123 Anexos / 125

Bibliografía / 173

Índice de organizaciones / 177

Índice onomástico / 181

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Literatura Infantil

El misterio de las letras perdidas

Alicia Barberis

Aurélie Sanchez (Ilustrador)

Reseña:

A Gambito Gamboa, un reconocido escritor, le ha ocurrido algo que nunca hubiera imaginado, ni siquiera en sus creaciones más fantásticas... las letras de todas sus historias han desaparecido, no solo de su computadora y de sus manuscritos, sino también de sus libros.

Desde siempre, el escritor se ha sentido solo y estaba seguro de no tener amigos. Sin embargo, recibirá la ayuda de dos de sus jóvenes lectores que intentarán resolver este misterio con la colaboración de un astuto detective.

Bernard-Marie Koltès Teatro

Reseña:

Colihue Teatro abre su Serie Dramaturgias del Mundo con una selección de obras de Bernard-Marie Koltès (1948-1989), figura cumbre de la dramaturgia francesa del siglo XX, autor fundamental en la historia del teatro mundial.
El presente volumen incluye siete textos dramáticos: los ya clásicos La noche justo antes de los bosques, En la soledad de los campos de algodón, Roberto Zucco y La vuelta al desierto, junto a la obra breve Tabataba y piezas menos difundidas de su etapa inicial: La herencia y Sallinger (reescritura de las novelas y cuentos del norteamericano J. D. Salinger).
La traducción, las notas y el extenso apéndice crítico -que recoge declaraciones y metatextos del dramaturgo- pertenecen a Jorge Dubatti y Marta Taborda, investigadores especializados en teatro, de la Universidad de Buenos Aires.
Koltès señaló en cierta ocasión a la prensa: "Solo tengo ganas, un día, de contar bien, con las palabras más simples, la cosa más importante que conozca y que pueda contarse, un deseo, una emoción, un lugar, luz, sonidos, cualquier cosa que sea un fragmento de nuestro mundo y que pertenezca a todos".

Formato:140x220
Encuadernación:Rústica Binder
Páginas:336
Editorial:Ediciones Colihue
Año de edición:2008
Materia:
Destinatarios:

Web RelacionadaDEBATE En la soledad de los campos de algodón - Huellas de Racine y Lacan en la obra teatral de Bernard-Marie Koltes

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PHILADELPHIA (naranjaoxidada.blogspot.com)

Philadelphia

miércoles 27 de abril de 2011

Año 1993
Director Jonathan Demme
Guión Ron Nyswaner
Música Howard Shore
Fotografía Tak Fujimoto
Reparto Tom Hanks, Denzel Washington, Antonio Banderas, Joanne Woodward
Productora TriStar Pictures pr. una prod. Clinica Estetico Productions
Género y crítica
Drama. / Sinopsis: Andrew Beckett, un joven y prometedor abogado de Philadelphia, es despedido del prestigioso bufete en el que trabaja cuando sus jefes se enteran de que ha contraído el sida. Decide entonces demandar a la empresa por despido improcedente, pero en un principio ningún abogado acepta defender su caso. (FILMAFFINITY)

Formato .avi. Subtítulos en español inlcuídos en el.rar. 3 partes de 200 MB c/u y una de 90 MB

Links de descarga
http://www.mediafire.com/download.php?3gcim2i1xjexra6
http://www.mediafire.com/download.php?ixhsvtsu98th986
http://www.mediafire.com/download.php?rtb2m9c63jaricr
http://www.mediafire.com/download.php?6e2faay484wvrfi

The Last of the Mohicans - El último de los mohicanos / La naranja oxidada

The Last of the Mohicans - El último de los mohicanos

jueves 7 de octubre de 2010

Año 1992
Director Michael Mann
Guión Christopher Crowe & Michael Mann (Novela: James Fennimore Cooper)
Música Trevor Jones & Randy Edelman
Fotografía Dante Spinotti
Reparto Daniel Day-Lewis, Madeleine Stowe, Wes Studi, Jared Harris, Jodhi May, Russell Means, Eric Schweig, Steven Waddington, Patrice Chereau, Colm Meaney, Terry Kinney, Pete Postlethwaite
Productora 20th Century Fox / Morgan Creek Productions
Género y crítica
Aventuras. Acción. Romance | América colonial. Siglo XVIII. Cine épico / SINOPSIS: 1757, a orillas del río Hudson. Hace tres años que franceses e ingleses luchan en tierras norteamericanas. Mandos británicos reclutan a gentes del lugar, nativos y granjeros asentados en esas tierras, para formar una milicia capaz de enfrentarse al ejército franco-indio que se acerca por el sur. Hawkeye -Ojo de halcón- (Daniel Day-Lewis) es un blanco adoptado por los indios mohicanos que vive junto a su padre (Russell Means) y su hermano Uncas (Eric Schweig). Tras rescatar de una emboscada de los hurones a Cora Munro (Madeleine Stowe) y a su hermana pequeña Alice (Jodhi May), hijas de un oficial británico, los tres deciden acompañarlas al fuerte inglés William Henry, que está siendo acechado por franceses y hurones. Allí les obligan a quedarse junto a un grupo de británicos que acaban de llegar de las colonias... (FILMAFFINITY)

Formato .avi con subtitulos agregados en el .rar 3 partes de 200 MB c/u y una de 86 MB

capturas de pantalla

Links de descarga
http://www.mediafire.com/download.php?g9htfscr61yu9vx
http://www.mediafire.com/download.php?q47695zonilq3pc
http://www.mediafire.com/download.php?mqztwuah6g6avxc
http://www.mediafire.com/download.php?y94zks7oi34hl73

Hotel Rwanda Naranjaoxidada.blogspot.com

Hotel Rwanda

miércoles 29 de junio de 2011

Año 2004
Director Terry George
Guión Terry George, Keir Pearson
Música Rupert Gregson-Williams, Andrea Guerra, Afro Celt Sound System
Fotografía Robert Fraisse
Reparto Don Cheadle, Sophie Okonedo, Desmond Dube, Hakeem Kae-Kazim, Nick Nolte, Joaquin Phoenix, Cara Seymour, Fana Mokoena, Antonio David Lyons, David O'Hara, Jean Reno
Productora Coproducción Canadá-Suráfrica-GB-Italia; Lions Gate Films / United Artists
Género y crítica
Drama / SINOPSIS: 1994, guerra civil de Ruanda. Los odios ancestrales entre los hutu (la etnia dominante) y los tutsi provocan el asesinato del presidente del país, disturbios en las calles y, finalmente, una terrible matanza entre las dos etnias. Paul, que es hutu, trabaja como gerente de un hotel de Kigali y, cuando empiezan los disturbios, decide que el mejor refugio es precisamente el hotel. Y hacia allí organiza una huida desesperada acompañado no sólo de su familia, sino también de sus vecinos tutsi. Basada en hechos reales. (FILMAFFINITY)

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The remains of the day - Lo que queda del día .Naranjaoxidada.blogspot.com

The remains of the day - Lo que queda del día

viernes 15 de octubre de 2010

Año 1993
Director James Ivory
Guión Ruth Prawer Jhabvala (Novela: Kazuo Ishiguro)
Música Richard Robbins
Fotografía Tony Pierce-Roberts
Reparto Anthony Hopkins, Emma Thompson, Christopher Reeve, James Fox, Hugh Grant, Peter Vaughan, Caroline Hunt, Paula Jacobs, Ben Chaplin, Lena Headey
Género y crítica
Drama. / Stevens, un perfecto mayordomo, viaja por Inglaterra en 1958. Ahora trabaja para el nuevo propietario americano de Darlington Hall. Veinte años antes, esta mansión vivió su esplendor y Stevens sacrificó su vida al servicio de su señor, un aristócrata británico que se codeaba con las más altas instancias políticas en un momento crucial para el futuro de Europa. Stevens asistió a los momentos más intensos de su vida profesional mientras su rutinaria vida personal sufría un inesperado cambio con la llegada de la nueva ama de llaves, la señorita Kenton. (FILMAFFINITY)

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Pasaron las Grullas, lanaranjaoxidada.blogspot.com

Letyat zhuravli (The Cranes are Flying) - Pasaron las grullas

sábado 10 de julio de 2010

Año 1957
Director Mikhail Kalatozov (AKA Mijaíl Kalatozov)
Guión Viktor Rozov (Obra: Viktor Rozov)
Música Moisej Vajnberg
Fotografía Sergei Urusevsky
Reparto Tatyana Samojlova, Aleksei Batalov, Vasili Merkuryev, Aleksandr Shvorin, Svetlana Kharitonova, Konstantin Nikitin, Valentin Zubkov, Antonina Bogdanova, Boris Kokovkin
Productora Ministerstvo Kinematografii
Género y crítica
Romance. Drama | Drama romántico. II Guerra Mundial / SINOPSIS: Veronica y Boris son dos enamorados moscovitas separados por la Segunda Guerra Mundial cuando llaman a Boris al frente. (FILMAFFINITY)

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English subtitles included

lanaranjaoxidada.blogspot.com: Pelicula Mexicana

Como agua para chocolate

miércoles 8 de junio de 2011

Año 1992
Director Alfonso Arau
Guión Laura Esquivel (Novela: Laura Esquivel)
Música Leo Brouwer
Fotografía Emmanuel Lubezki & Steve Bernstein
Reparto Marco Leonardi, Lumi Cavazos, Regina Torné, Ada Carrasco, Yareli Arizmendi, Mario Iván Martínez, Claudette Maille, Pilar Aranda, Rodolfo Arias, Margarita Isabel, Farnersio de Bernal, Joaquín Garrido, Sandra Arau
Productora Mexican Film Institute
Género y crítica
Drama. Romance. Comedia | Melodrama. Comedia romántica / SINOPSIS: Historia de amor y gastronomía ambientada en México a principios del siglo XX. Dos jóvenes locamente enamorados, Tita (Lumi Cavazos) y Pedro (Marco Leonardi), tienen que renunciar a su amor porque Mamá Elena (Regina Torne) decide que la menor de sus hijas, Tita, debe quedarse soltera para cuidar de ella en su vejez. Entre los olores y sabores de la cocina tradicional mexicana, Tita sufrirá durante muchos años por un amor que perdurará más allá del tiempo. (FILMAFFINITY)

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Cine Iraní, lanaranjaoxidada.blogspot.com

Turtles Can Fly (Lakposhtha hâm parvaz mikonand) - Las tortugas también vuelan

martes 25 de agosto de 2009

Año 2004
Director Bahman Ghobadi
Guión Bahman Ghobadi
Música Housein Alizadeh
Fotografía Shahriar Assadi
Reparto Avaz Latif, Soran Ebrahim, Hirsh Feyssal, Saddam Hossein Feysal, Abdol Rahman Karim
Productora Bahman Ghobadi Mij Films
Género y crítica
Drama. Pobreza / SINOPSIS: En un campo de refugiados del Kurdistán iraquí, en la frontera entre Irán y Turquía, sus habitantes buscan desesperadamente una antena parabólica con el fin de poder estar informados del inminente ataque americano sobre Irak. Mientras tanto los niños del campo, liderados por un espabilado chico al que llaman "Satélite", se dedican a recoger minas antipersona para luego venderlas. Por su parte, al lugar llega un joven mutilado de ambos brazos, que viene de otro pueblo con su hermana pequeña y un niño que parece ser el hijo de ésta. Satélite quedará prendado de la triste belleza de la joven, mientras el hermano de ésta, el mutilado, tiene un presentimiento: la guerra se acerca más y más. (FILMAFFINITY)

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Made In Argentina

viernes 6 de mayo de 2011

Año 1987
Director Juan José Jusid
Guión Juan José Jusid, Nelly Fernández Tiscornia
Música Emilio Kauderer
Fotografía Hugo Colace
Reparto Luis Brandoni, Patricio Contreras, Hugo Arana, Alberto Busaid
Productora Progress Communications
Género y crítica
Comedia. Drama. Exiliado en Nueva York durante una década, un matrimonio retorna a la Argentina de visita por unos días. En esta ciudad se reencuentra con el Negro y Yoli, hermano y cuñada de la mujer, quienes residen en Lanús. (FILMAFFINITY)

Formato .avi. Subtítulos en español incrustados en el archivos de video (en las partes habladas en inglés). 3 partes de 200 MB c/u y una de 95 MB

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Das Leben der Anderen - La Vida de los Otros

jueves 13 de agosto de 2009

Año 2006

Director Florian Henckel-Donnersmarck

Guión Florian Henckel-Donnersmarck

Música Gabriel Yared, Stéphane Moucha

Fotografía Hagen Bogdanski

Reparto Ulrich Mühe, Martina Gedeck, Segastian Koch, Ulrich Tukur, Thomas Thieme, Hans-Uwe Bauer, Volkmar Kleinert, Matthias Brenner, Charly Hüber

Productora Wiedemann & Berg Filmproduktion / Bayerischer Rundfunk / Arte / Creado Film

Género y crítica

Drama. Thriller / SINOPSIS: El capitán Gerd Wiesler (Ulrich Mühe) es un oficial extremadamente competente de la Stasi, la todopoderosa policía secreta del régimen comunista de la antigua República Democrática Alemana. Pero, cuando en 1984 le encomiendan que espíe a la pareja formada por el prestigioso escritor Georg Dreyman (Sebastian Koch) y la popular actriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedenk), no sabe hasta qué punto esa misión va a influir en su propia vida... (FILMAFFINITY)

Formato .avi. Subtítulos agregados en el .rar 13 partes de 100 MB c/u y 1 parte de 80 MB

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Falstaff (Verdi) Argumento, libreto y videos

Falstaff es la última ópera de Giuseppe Verdi que curiosamente es una ópera cómica cuando sólo había realizado otra anteriormente y no tuvo buena acogida ni por el público ni por la crítica. Es como si a sus ochenta años quisiese cerrar su producción operística con una sonrisa llena. Y si que le debió llenar la realización de esta ópera a la vista de los testimonios que se tienen especialmente animados por el libreto de Arrigo Boito que supo adaptar el personaje de Falstaff basándose fundamentalmente en “Las comadres de Windsor” (The Merry Wives of Windsor) de Shakespeare. Como es sabido, ya recurrió previamente a tomar como fuente a Shakespeare en Macbeth y Otello.

Su estreno tuvo lugar en el Teatro de la Scala de Milán en febrero de 1893, iniciándose allí un recital de éxitos y múltiples versiones que han hecho que sea una de las óperas más representadas. Siguiendo con esa pluralidad de representaciones, los post siguientes se dedican a exponer el argumento y vídeos de distintas grabaciones así como para poner al alcance el libreto de cada una de las partes:

siendo los personajes y su tipo de voz los siguientes, señalando los primeros intérpretes:

Personaje	Tipo de voz	Primer Intérprete
Sir John Falstaff, caballero obeso	Barítono	Victor Maurel
Mr Ford, caballero rico	Barítono	Antonio Pini-Corsi
Alice Ford, su esposa	soprano	Emma Zilli
Nannetta, su hija	soprano	Adelina Stehle
Meg Page, dama adinerada	mezzo-soprano	Virginia Guerrini
Mrs Quickly, amiga de Alice	contralto	Giuseppina Pasqua
Fenton, enamorado de Nannetta	tenor	Edoardo Garbin
Dr Cajus, prometido de Nannetta	tenor	Giovanni Paroli
Bardolfo, secuaz de Falstaff	tenor	Paolo Pelagelli-Rossetti
Pistola, secuaz de Falstaff	bajo	Vittorio Arimondi
Posadero	personaje mudo	Attilio Pulcini
Robin, paje de Falstaff	personaje mudo

Adicionalmente, existen las siguientes entradas dedicadas exclusivamente a Falstaff:

Puede encontrar más posts relacionados con Falstaff (Verdi) Argumento, libreto y videos en la selección de música siguiente o en el buscador del blog.

Carmen – Opera de Bizet

Carmen, ópera de Georges Bizet, es tal vez la más popular de este compositor. El texto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy está basado en la novela homónima de Prosper Merimée. Se estrenó en París, en la Opéra-Comique de París el 3 de marzo de 1875 y en España se estrenó en el Teatre Líric de Barcelona el 2 de agosto de 1881.
Prosper Merimée era un hispanista y se dedicó a recopilar vivencias e historias cuando visitó España hacia el año 1820. En aquellos tiempos, para un francés España era un país tan exótico como alejado de su realidad. Se cree que la historia de Carmen le fue contada al escritor por la madre de la emperatriz Eugenia de Montijo, la condesa de Teba.
La ópera de Bizet sumerge al espectador de lleno en la fascinación que Carmen ejerce sobre Don José, mientras que la novela nos explica que Carmen es una gitana que ha vivido en Navarra, que habla vasco y eso ejerce una influencia adicional sobre el militar navarro. Por ella sacrifica todos sus valores, de ahí el furor con que después la mata.
Carmen se estrenó como opéra-comique, es decir, con diálogos hablados; para pasar a ser una ópera cantada totalmente.La conversión de los diálogos en recitativos la hizo Ernest Giraud. Hoy se tiende a recuperar la versión con diálogos, aunque la versión de Giraud se sigue representando.
Se ha dicho que el fracaso inicial de la ópera precipitó la muerte de Bizet, aunque esto no está probado ni mucho menos. Es cierto que no fue hasta después de un tiempo de su estreno que se empezó a apreciar en toda su belleza e importancia, siendo una de las óperas más representadas a lo largo de toda la historia de la lírica.

Puede encontrar más posts relacionados con Carmen – Opera de Bizet en la selección de música siguiente o en el buscador del blog.

Relacionado:

L'elisir d'amore (Villazón, Netrebko) – Acto I

ACTO I – Argumento.

La acción transcurre en una aldea italiana, a comienzos del S-XIX. Nuestros protagonistas son Adina, joven guapa, rica y bastante caprichosa que tiene loco de amor al sencillo Nemorino.

Adina está leyendo la historia de “Tristán e Isolda” y habla de la poción que hizo que se enamoraran el uno de la otra. Nemorino, al oir esta historia desea encontrar un remedio semejante para que Adina se enamore finalmente de él.

Las desgracias del pobre Nemorino van en aumento cuando, además de oir como Adina le aconseja que se busque a otra, llega al pueblo un batallón de soldados con Belcore al frente. Ya nos podemos imaginar que sucederá: Belcore cae rendido de amor ante Adina nada más verla y le propone matrimonio. Nemorino ya cree que todo está perdido cuando aparece el Doctor Dulcamara, con su carromato lleno de pociones, filtros y medicinas para toda clase de males. Nemorino, le pregunta si tiene el filtro de amor de la reina Isolda y cuando Dulcamara le dice que sí, gasta todos sus ahorros para comprar una botella del mágico elixir, que en realidad no es más que una botella de vino. Nemorino se lo bebe y está alegre pensando que al cabo de veinticuatro horas, que es lo que tarda en hacer efecto el elixir, Adina lo amará. Así que se dedica a cantar y a no hacerle mucho caso, con lo que Adina se enfada y decide acelerar la boda con Belcore, que además ha recibido órdenes de partir hacia otro destino

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Reparto:
- Nemorino: Rolando Villazón (tenor)
- Adina: Anna Netrebko (soprano)
- Dulcamara: Ildebrando D’Arcangelo (bajo-barítono)
- Belcore: Leo Nucci (barítono)
- Giannetta: Inna Los (mezzosoprano)

Orquesta y coros: Ópera de Viena

Puede encontrar más posts relacionados con L'elisir d'amore (Villazón, Netrebko) – Acto I en la selección de música siguiente o en el buscador del blog.

Relacionado:

L'elisir d'amore – Anna Netrebko & Rolando Villazón – Acto II

“El elixir del amor”
Ópera bufa dividida en dos actos, de Gaetano Donizetti.

Orquesta y coros: Ópera de Viena

Acto II – Argumento

Es por la tarde, los invitados a la boda lo están celebrando, pero Adina está perpleja al ver que Nemorino no está allí, y ella va retrasando el momento decisivo una y otra vez.

Nemorino, cuando llega encuentra a Dulcamara y se queja de que el elixir no ha surtido efecto y quiere otra botella, pero no tiene más dinero. Entonces, Belcore, que ve la oportunidad de dehacerse del rival le ofrece alistarse en la milicia a cambio de un buen dinero. Nemorino acepta, compra la botella, se la bebe y…se emborracha.

Justamente entonces, llega la noticia de que un tio muy rico de Nemorino ha muerto dejándole a él su fortuna, con lo cual todas las chicas muestran un renovado y gran interés en el muchacho que se deja querer, convencido de que esta vez el elixir ha funcionado. Adina, que ve el coqueteo de Nemorino con todas las muchachas siente celos, y sin quererlo derrama unas lágrimas, lágrimas que Nemorino ve cómo se escapan furtivamente de los ojos de su amada.

Adina compra la libertad de Nemorino a Belcore, que ya ve que ha perdido la partida y se retira del campo de batalla amoroso. Adina reconoce ante Nemorino su amor, que rebosa felicidad al ver su amor correspondido. Los dos, junto a los demás aldeanos despiden a Dulcamara que ha hecho un gran negocio en ese pequeño pueblo.

Final feliz para una ópera deliciosa, compuesta en sólo dos semanas por un inspiradísimo Donizetti.

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Ver el acto I en:

L’elisir d’amore (Villazón, Netrebko) – Acto I

Puede encontrar más posts relacionados con L'elisir d'amore – Anna Netrebko & Rolando Villazón – Acto IIen la selección de música siguiente o en el buscador del blog.

Relacionado:

Turandot de Puccini

TURANDOT – ACTO I – ARGUMENTO

Turandot es la princesa imperial de China y heredera del trono. Turandot propone unos dificilísimos enigmas a todos los pretendientes a casarse con ella. Si no los aciertan, el castigo es la muerte. Así da comienzo el primer acto. El pueblo está pendiente de presenciar la ejecución del último candidato: el príncipe de Persia.
Entre la multitud se encuentra Timur, el rey de Tartaria que ha huido con su sirvienta Liù al ser depuesto del trono. El anciano cae empujado por la gente y Liù pide ayuda. Acude un joven, el príncipe Calaf, que descubre que el que ha caído es su propio padre. Ambos habían huido de Tartaria después de la revolución pero se habían perdido el rastro. Liù está secretamente enamorada de Calaf.
En esto que aparece Turandot, dispuesta a dar la orden para la ejecución del príncipe persa. Calaf se enamora de ella nada más verla y decide presentarse como candidato a su mano. Timur y Liù le ruegan que desista de esa intención pero fracasan y se acerca al gong para convocar las pruebas. Los tres ministros de Turandot, Ping, Pang y Pong también le piden que renuncie, pero fracasan igualmente. Calaf se acerca al gong y lo golpea tres veces.

Turandot, segundo acto

TURANDOT ACTO II – ARGUMENTO

Ping, Pang y Pong se lamentan de la vida que llevan en la corte de Pekín, debido a la costumbre que tiene la princesa Turandot de eliminar a todo pretendiente que no logre adivinar sus difíciles enigmas. Añoran una vida más placentera y no la que viven en esa corte sanguinaria.
En el palacio imperial la asamblea aclama al emperador, Altoum. Junto a él están los ocho sabios con los rollos que contienen las respuestas a los enigmas. Ante toda la corte se halla todo el pueblo y entre la multitud están Timur y Liù.
Altoum ruega a Calaf, el nuevo pretendiente a la mano de Turandot, que se retire, pero tampoco consigue convencerlo: Calaf está dispuesto a continuar con el desafío de la princesa.
Hace su entrada Turandot, que explica que en esa corte, su antepasada Lou-Ling sufrió la violencia de un extranjero. Este suceso ha sido el desencadenante de que ella imponga a todos los hombres que la pretenden la resolución de los enigmas.
No cuesta mucho ver que Turandot teme ser amada más que otra cosa. Ella también le pide a Calaf que se retire, ya que aquello acabará con su muerte. Calaf, dice que lo que vendrá será la vida y le pide a la princesa que proponga sus tres enigmas.
Turandot propone el primero: algo que vuela de noche, recala en los corazones pero desaparece al llegar el alba. Calaf medita su respuesta y responde: la esperanza. Los sabios dan la respuesta como correcta.
El segundo enigma propuesto por la princesa es algo que brilla como una llama sin serlo. Si pierdes o mueres, se enfría; si conquistas, se enciende. La respuesta de Calaf es: la sangre.
El clamor ante este nuevo acierto es impresionante, tanto que Turandot, irritada, manda azotar a la multitud que grita.
Turandot lanza con temor su tercer enigma: un hielo que te da fuego, pero a la vez cuanto más fuego da, más se hiela. Es blanca y oscura a la vez. Si te quiere libre, te convierte en su esclavo, pero si eres su esclavo acabas siendo rey. Turandot cree haber logrado vencer a Calaf al que ve dudar. Finalmente Calaf da la respuesta: ¡es la propia princesa Turandot!.
Calaf ha conseguido acertar las tres respuestas. La multitud lo aclama, pero Turandot ruega a su padre para que no la obligue a aceptarlo como esposo. Altoum dice que no puede faltar a un juramento sagrado y que ella debe aceptar.
Turandot le dice a Calaf que jamás será suya, solo la tendrá por la fuerza y ella siempre lo rechazará. Calaf entonces, le ofrece una manera de librarse de él y le propone un enigma, si lo adivina él morirá y ella quedará libre. El enigma es su nombre. Si ella se lo dice al amanecer, él morirá.
El emperador desea que Calaf triunfe y se retira con toda la corte.

REPARTO
Turandot: Maria Guleghina
Calaf: Marco Berti
Liú: Alexia Voulgaridou
Timur: Alexander Tsymbalyuk

La Orquesta de la Comunidad Valenciana
Director: Zubin Mehta

En la opera .net hay otras entradas relacionadas con TURANDOT (Puccini) ACTO II – Guleghina, Berti, Mehta, entre las que se encuentran:

Turandot, acto tercero

TURANDOT ACTO III – ARGUMENTO

Es de noche, pero nadie duerme en Pekín. La princesa Turandot ha amenazado con la pena de muerte a quien esa noche duerma. Todos deben ayudarla a conocer el nombre del extranjero. Calaf, que oye la orden de la princesa, dice que al día siguiente toda la frialdad de Turandot se disolverá al calor de su beso.
Ping, Pang y Pong le piden que les diga su nombre, a cambio le ofrecen todo lo que pida y una huida segura. Temen morir todos si Turandot no consigue saber el nombre del príncipe. El pueblo de Pekín también le ruega que desvele su secreto, todos conocen y temen la crueldad de Turandot.
Unos guardias traen a Timur y a Liù. Los vieron con él y, aún desconociendo el parentesco que les une, creen que ellos sí sabrán su nombre.
Llaman a la princesa para que presencie el interrogatorio. Calaf asegura que los detenidos no saben cual es su nombre, cuando Liù dice que ella es la única que lo sabe, pero que guardará el secreto.
Todos exigen que lo diga y que si fuera preciso se la torture. Calaf intenta defenderla, pero la empiezan a torturar. Turandot la interroga y Liù le dice que su corazón de hielo se derretirá con el amor de Calaf, una vez ha dicho esto se da muerte con el puñal de un soldado.
Timur se va acompañando el cadáver de Liù y quedan Turandot y Calaf frente a frente. El príncipe la acusa de crueldad y de matar a inocentes. Turandot no quiere que se le acerque, pero a pesar de su resistencia, Calaf la besa.
Turandot reconoce que Calaf ha logrado llegarle al corazón y le ruega que se vaya. Entonces Calaf le dice su nombre, poniendo así su vida en sus manos.
Turandot reune a la corte y al emperador. Ante todos proclama que ha vencido ella, ya que antes del alba ha sabido el nombre del extranjero: su nombre es ¡amor!. Todos celebran que este final feliz haya transformado a la princesa.

REPARTO
Turandot: Maria Guleghina
Calaf: Marco Berti
Liú: Alexia Voulgaridou
Timur: Alexander Tsymbalyuk

La Orquesta de la Comunidad Valenciana
Director: Zubin Mehta

En la opera .net hay otras entradas relacionadas con TURANDOT (PUCCINI) Argumento y Videos – ACTO III/Palau de les Arts, entre las que se encuentran:

La Cenerentola ( Opera ) ROSSINI

ACTO I

Angelina, conocida como Cenerentola,sueña con un rey que elige una esposa por su bondad. Sus hermanastras, Clorinda y Tisbe, se rien de ella.
LLama a su puerta, Alidoro, un filósofo disfrazado de mendigo. Las hermanas lo insultan, pero Cenerentola le ofrece pan y café. Se enteran de que el príncipe Ramiro está buscando esposa y las hermanas le ordenan a Cenerentola que prepare sus vestidos con los que van a ir a ver al príncipe. Don Magnifico, el padre, se despierta de una siesta e interpreta un sueño en el que sus hijas se convertiran en reinas. Al conocer las intenciones del príncipe piensa que su sueño se cumplirá.
Ramiro llega disfrazado de criado y ve a Cenerentola. Se enamoran de inmediato. Cenerentola le explica su triste vida y Ramiro queda maravillado con su inocencia. Su criado, Dandini, llega disfrazado de príncipe. Las hermanas lo cortejan, pero él las mira con desprecio. Cenerentola pide a Don Magnifico que la lleve a palacio, pero él la amenaza con golpearla. Alidoro invita a Cenerentola al baile y cambia sus pobres vestidos por otros ricos y joyas.
En palacio, Clorinda y Tisbe luchan por Dandini en su papel como príncipe, pero éste advierte a Ramiro que las hermanas son vanidosas y tienen mal carácter. Alidoro presenta a una misteriosa dama cubierta con un velo. Al mostrar su cara, Don Magnifico, advierte el parecido con Cenerentola.

ACTOII

A pesar de la inquietud que el parecido le produce, Don Magnifico sigue deseando que una de sus hijas sea poderosa. Dandini, todavía en su papel de príncipe, declara su amor por Cenerentola, pero ella responde que de quien está enamorada es de su criado. Cuando éste se acerca, Cenerentola le da un brazalete y le pide que encuentre el otro que ella llevará puesto, que la busque si la quiere. Don Magnifico le pide a Dandini que elija a una de sus hijas, pero finalmente Dandini admite ser solamente un criado. Alidoro simula que el carruaje sufre una avería enfrente de la casa de Cenerentola, quien está de nuevo limpiando los suelos.
Sigue soñando con un rey, pero recuerda que está enamorada de un criado. Dandini anuncia que elcarruaje del príncipe ha volcado y entra Ramiro, que ve enseguida el brazalete en el brazo de Cenerentola y le declara su amor.
Don Magnifico y las hermanas, insultan a Cenerentola que pide a Ramiro que las disculpe. Alidoro les dice que serán desgraciadas si no piden disculpas a Cenerentola. Don Magnifico se arrodilla ante ella que le perdona así como a sus hermanas. Todos alaban su bondad y ella recuerda sus años de penuria como si hubieran sido un sueño.

Esta ópera cómica con música de Gioacchino Rossini y libreto de Jacopo Ferretti, fue estrenada en el Teatro Valle de Roma el 25 de enero de 1817. El enlace al libreto en Kareol, con su traducción al castellano es el siguiente:

Libreto y traducción de La Cenerentola

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